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Aus der Amazon.de-Redaktion Es beginnt mit Stille, mit einem Blick auf das Morgengrauen, den blassen Ozean - tr�¶stlich, oder ganz und gar verlassen. Man sieht die schwarzen Augen eines Mannes, die angstvoll in die Weite gehen. Das Schlagzeug f�¼hrt zum n�¤chsten Bild - ein freundlicher Rock-Groove, aber dann, die raue, markersch�¼tternde Stimme von Kristin Asbjornsen: schieres Entsetzen, der Ruf eines Ertrinkenden, eine Heavy-Metal Poesie, ein verzweifeltes Gebet. "Seafarer's Song ist eine Ode an all die Menschen, die sich abm�¼hen einen Hafen zu finden - einen sicheren Ort, an dem sie leben k�¶nnen"; so der Pianist und Komponist Ketil Bjornstad �¼ber sein neues thematisches Werk. Es ist ein Live-Mitschnitt, bekannte Musiker wie Nils Petter Molvaer (Trompete), Eivind Aarset (Gitarre) und Cellist Svante Henryson (spielte bei Ingwie Malmsteen und Anne Sofie von Otter) leihen dem jazz- und rockgepr�¤gten Ambiente ihre markanten Stimmen. Der dramatische Gesang von Asbjornsen allerdings ist es, der alles einzigartig macht; in der Vebindung mit wunderbaren melodischen Songs, den eindringlichen Texten des nicht nur Musikers, sondern auch Schriftstellers Bjornstad erbl�¼ht eine ergreifende Geschichte von Hoffnung und Angst, von Leid, von Suche und von Heimkehr. Ketil Bjornstad hat seit 1973 �¼ber 30 eigene Alben aufgenommen; der Norweger genie�Ÿt in seiner Heimat einen einzigartigen Stellenwert als K�¼nstler. Seafarer's Song ist ein politisches Album, es handelt von Menschen auf der Flucht, es malt ihre Gef�¼hle in den nassen Sand; es ist das kraftvolle, lyrische und aufr�¼hrerische Statement eines begnadeten Wort- und Tonsch�¶pfers. -Katharina Lohmann
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Koln Concert Keith Jarrett ist ein wahrer musikalischer Verwandlungskünstler, aber die ausgehaltenen Soloimprovisationen, die er 1975 in einer deutschen Konzerthalle aufnahm - die erste 26-, die zweite 40 Minuten lang - gehören zum Besten, was es von ihm zu hören gibt. Die Melodien und rhythmischen Figuren entspringen mit ungeheurer Leichtigkeit unter seinen Fingern, während er von einem Abschnitt zum nächsten übergeht. Seine starke linke Hand nutzt er für wiederkehrende Motive, die eine wellenartige hypnotische Macht ausüben. In Verbindung mit stark konsonanten Melodien erinnert dies zeitweilig an Gospel, dann wieder an Tanzmusiken und Debussy und andere Komponisten. Es ist vor allem Jarretts Fähigkeit, all diese Stimmungen und Richtungen in einem fein gesponnenen Gewebe aus warmen und wohlklingenden Eindrücken zu vereinen, die seiner Musik diesen anhaltenden Reiz verleiht. -Stuart Broomer
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COME AWAY WITH ME Es liegt nicht nur an dem Timbre in ihrer Stimme, dass Norah Jones reifer erscheint als ihre 22 Jahre es vermuten lassen. Ihre sichere Phrasierung und ihr präzises Gespür für das Timing sind sonst ebenfalls eher bei älteren Sängerinnen zu finden. Sie ist sofort unverkennbar, sie verbindet Anlehnungen an Billie Holiday und Nina Simone, klingt aber letztlich nur nach sich selbst. Ganz gleich, wie man es betrachtet, sie ist eine Sängerin, mit der zu rechnen sein wird. Allein schon für ihre Darbietung des Hank-Williams-Klassikers "Cold Cold Heart" und Hoagy Carmichaels "The Nearness Of You" lohnt sich der Preis dieser CD. Ihre eigenen Stücke verblassen ein wenig im direkten Vergleich zu solchen Meisterwerken. Sie und ihr Produzent Arif Mardin hätten sich besser für einige lebendigere Arrangements entschieden und die brillanten Begleitmusiker Bill Frisell, Kevin Breit und Brian Blade entsprechend eingesetzt. Es wäre auch hilfreich gewesen, wenn die Melodien nicht ganz so gleichgültig interpretiert worden wären. Jones hat alle Mittel zu ihrer Verfügung: Mit ein wenig mehr Erfahrung und nach intensivem Anhören von Künstlern wie J. J. Cale und Shirley Horn, wird sie das Talent entwickeln, gedämpft zu bleiben, ohne schläfrig zu wirken. Manchmal ist weniger also doch nicht mehr. -Michael Ross
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CARELESS LOVE Von Straßenmusik zum Plattenvertrag: der ungewöhnliche Karrierestart einer 22-jährigen Sängerin aus Georgia ist nicht das Einzige, was an die große Vergangenheit einer großen Vorgängerin erinnert. Madeleine Peyroux singt ganz und gar erstaunlich: Klang, Phrasierung, Vibrato, alles an ihr schmeckt nach Ursprung, nach einem tiefen Verständnis für Jazz, nach einer gewissen Tragik und Melancholie - nach Billie Holiday. Der Clou: auch wenn es Billie Holiday nie gegeben hätte, würde Peyroux genau so singen wie sie singt - alles an ihr ist authentisch, sie kopiert nicht, sie ist einfach wer sie ist - eine begnadete Jazzinterpretin, ein Naturtalent. Seit dem ersten Album Dreamland sind acht Jahre vergangen. Madeleine Peyroux ist jetzt 30, sie singt in Clubs und macht immer noch Straßenmusik. Und weiterhin steht sie fürs Flair der Klassiker, für eindringlichen, balladesken Sound der 20er und 30er Jahre - herrlich umgesetzt auf Careless Love mit der Hilfe von echten Kennern der Materie wie Larry Goldings (Tasteninstrumente) oder Dean Parks (Gitarren). Alte und neue Kompositionen folgen demselben, bluesgetränkten Stil; sei es eine Countrynummer, ein Chanson oder gar ein Poplied. Sie bringt die Tradition ins Hier und Jetzt und überzeugt zu hundert Prozent. Man kann sie nicht kritisieren - Madeleine Peyroux, man kann sie nur bestaunen, für ihren kraftvollen Ausdruck, ihren Instinkt, für ein untrügliches musikalisches Feeling. -Katharina Lohmann
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KIND OF BLUE Meilenweit entfernt vom Durchschnitt Über den legendäre Jazz-Trompeter Miles Davis (1926 - 1991) erzählt man sich die Geschichte, wie er bei einem Empfang im Weißen Haus mit einer der anwesenden Damen ins Gespräch kam und dabei fast beiläufig sagte: "Ich habe den Jazz drei oder viermal neu erfunden. Und weshalb sind Sie eingeladen worden?" Dieses enorme Selbstbewußtsein spiegelt sich in allen seinen Aufnahmen wider, von denen sein 1959 entstandenes Werk "Kind Of Blue" das wohl berühmteste ist. Aufgenommen wurde dieses definitive Jazz-Album zusammen mit Cannonball Adderley, Paul Chambers, Bill Evans, Jimmy Cobb und John Coltrane während zwei Sessions am 2. März und 22. April 1959. Getreu seinem Motto "Spiele nicht, was da ist - spiele, was nicht da ist" veredelte er exzellente Stücke wie So What, Flamenco Sketches und Blue In Green zu Jazz-Juwelen, die die Menschen auch noch fast 50 Jahre nach ihrer Entstehung tief berühren - dort wo in jedem Menschen die Seele des Jazz sitzt. Oder wie der Autor Stephen Thomas Erlewine feststellte: "Wenn du Kind Of Blue nicht liebst, dann magst du den Jazz nicht".
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Aus der Amazon.de-Redaktion "No man is an island entirely for himself", so eine Zeile aus einem Gedicht John Donnes (1572-1631), des englischen Barockdichters, der sich in stets mesmerisierenden Worten über die Liebe, Gott und den Tod ausließ. Mit dieser packenden Zeile beginnt Grace, die neue CD von Ketil Bjornstad, und bis zum Schluss lässt Grace einen nicht mehr los. Vorweg: Wir haben hier eine unbestreitbare 5-Sterne-Produktion am Ohr. Allen 15 Tracks liegen Gedichte John Donnes zugrunde. Teils singt sie Bjornstad mit raureifer Stimme selbst, teils singt Anneli Drecker (Ensemble Bel Canto) mit klarer, seliger Stimme, teils hören wir beide im Duett. Begleitet werden die sich beim Singen zu luftigen Seelenlandschaften ausbreitenden Songs von Trilok Gurtu (Percussion), Eivind Aarset (Gitarre), Arild Anderson (Bass), Bendik Hofseth (Saxophon/Vox) und Bjornstad selbst am Flügel. Die herausfordernde Magie der Musik dieses Ensembles liegt im spartanischen Spiel innerhalb klarer Song-Strukturen. So bewegen sich freie Räume um die fliegenden Gesangslinien. Räume, die nach und nach von den Instrumentalisten ausstaffiert werden. Und in der Tat bestätigt Bjornstad: "Mein kategorischer Imperativ lautet: Spiel' nicht zuviel!" So bleibt mal der Eindruck Purcell'scher Grazie, mal der Geist nordischer Folklore, mal der Fingerabdruck schwelgenden Adagio-Jazz' zurück. Insgesamt aber meint man glühende Stimmen über einem fernen Eissturm zu hören. Lieber Ketil Bjornstad, erfolgreicher Schriftsteller, frühes Klassik-Wunderkind und seit den 1970er-Jahren begnadeter Ausnahme-Jazzer, was soll nach dieser perfekten Musik-Poesie bloß noch folgen? -Volker Wilde
